I dieci artisti emergenti da seguire nel 2024

Il panorama dell’arte contemporanea nel 2024 è attraversato da linguaggi ibridi, nuove forme di ricerca e una crescente attenzione ai temi ambientali, sociali e identitari. Per orientarsi tra fiere, biennali, mostre personali e spazi indipendenti, può essere utile osservare gli artisti che stanno costruendo una voce riconoscibile senza aver ancora raggiunto una piena consacrazione internazionale.

La selezione comprende dieci autori italiani e stranieri attivi tra pittura, fotografia, scultura, installazione, video e performance. Non si tratta di una classifica, ma di una panoramica ragionata su personalità capaci di interpretare il presente con strumenti originali e prospettive spesso lontane dai circuiti più prevedibili.

Per collezionisti, appassionati e investitori, seguire una carriera nella fase iniziale significa studiare la coerenza della ricerca, la qualità delle mostre e la solidità del percorso espositivo. Il valore di un’opera non dipende soltanto dalla notorietà dell’artista, ma anche dalla sua capacità di sviluppare nel tempo un immaginario riconoscibile.

Artista	Linguaggio principale	Elemento da osservare
Giulia Cenci	Scultura e installazione	Trasformazione della materia industriale
Silvia Rosi	Fotografia e autoritratto	Memoria familiare e identità
Bea Bonafini	Pittura e tecniche miste	Mitologia personale e simboli
Jem Perucchini	Pittura	Figure ibride e immaginari fantastici
Ludovica Carbotta	Installazione e fiction	Relazione tra spazio e narrazione
Elena Mazzi	Arte partecipativa	Ecologia, comunità e territorio
Invernomuto	Video, suono e ricerca digitale	Cultura popolare e ritualità
Alessandro Di Pietro	Scultura e video	Corpo, tecnologia e percezione
Anna Perach	Scultura e performance	Folklore, genere e trasformazione
Sara Sadik	Video e realtà virtuale	Futuro, adolescenza e culture diasporiche

Materia, corpo e metamorfosi

Giulia Cenci è una delle presenze più interessanti della nuova scultura italiana. Le sue opere nascono da materiali industriali, frammenti meccanici, residui organici e componenti sintetiche che vengono assemblati in forme ambigue. Il risultato ricorda talvolta un corpo incompleto o una creatura in evoluzione, mettendo in discussione il confine tra naturale e artificiale.

La ricerca di Cenci si distingue per una forte attenzione alla crisi ecologica e al rapporto tra esseri viventi, infrastrutture e tecnologia. Le sue installazioni non sono semplici accumuli di elementi, ma ambienti capaci di generare una sensazione fisica, quasi perturbante. Per chi colleziona scultura contemporanea, il suo lavoro offre un esempio significativo di come la materia possa diventare strumento di riflessione politica.

Alessandro Di Pietro lavora invece sull’interazione tra corpo, immagine e dispositivi tecnologici. Sculture, video e installazioni costruiscono situazioni in cui la percezione dello spettatore viene continuamente destabilizzata. Il suo interesse per la fantascienza, la cultura digitale e la rappresentazione del corpo produce opere ironiche e al tempo stesso concettualmente dense.

Immagini, memoria e identità

Silvia Rosi utilizza la fotografia come spazio di ricostruzione autobiografica. Nei suoi lavori mette in scena episodi, abiti e gesti legati alla storia familiare, soprattutto alla memoria della migrazione e all’eredità culturale. L’autoritratto non è mai soltanto individuale: diventa un modo per parlare di appartenenza, trasmissione e trasformazione.

La forza delle sue immagini risiede nella cura della composizione e nella capacità di unire dimensione intima e riflessione sociale. Rosi dimostra come la fotografia contemporanea possa superare la funzione documentaria per diventare una forma di narrazione sospesa tra realtà, teatro e ricordo. È una ricerca adatta anche a chi desidera avvicinarsi al collezionismo fotografico con opere dotate di una forte riconoscibilità.

Bea Bonafini sviluppa un linguaggio personale attraverso pittura, tessuto, collage e tecniche miste. Le sue opere richiamano fiabe, archetipi, animali e paesaggi immaginari, ma sotto la superficie poetica emergono temi come il desiderio, la vulnerabilità e il rapporto con il corpo. La materia pittorica, spesso arricchita da cuciture e applicazioni, crea immagini stratificate e tattili.

Nuove mitologie e mondi possibili

Jem Perucchini appartiene a una generazione di pittori interessata a recuperare la figurazione senza rinunciare all’ambiguità. Le sue tele presentano personaggi umani, animali e creature ibride collocati in scenari teatrali o irreali. L’atmosfera sospesa delle composizioni lascia spazio a interpretazioni diverse, tra riferimenti alla storia dell’arte, immaginario popolare e cultura queer.

Il lavoro di Perucchini mostra come la pittura possa tornare a essere narrativa senza risultare illustrativa. I colori, le pose dei soggetti e la costruzione dello spazio contribuiscono a creare una mitologia contemporanea, riconoscibile anche quando l’immagine sembra provenire da un sogno. È proprio questa tensione tra familiarità e stranezza a rendere la sua ricerca particolarmente osservata.

Ludovica Carbotta costruisce invece mondi attraverso installazioni, testi e dispositivi narrativi. Le sue opere spesso prendono forma a partire da personaggi immaginari, città inesistenti e situazioni che sembrano appartenere a un racconto di fantascienza. Lo spettatore è invitato a ricomporre frammenti e indizi, diventando parte attiva dell’esperienza.

Il suo approccio è interessante perché mette in discussione l’idea dell’opera come oggetto isolato. Mostre e installazioni diventano episodi di una narrazione più ampia, dove architettura, immaginazione e memoria si influenzano reciprocamente. Per gli spazi espositivi, questa elasticità permette di creare allestimenti coinvolgenti e difficili da ridurre a una sola categoria.

Ecologia, territorio e pratiche collettive

Elena Mazzi lavora sui rapporti tra comunità, paesaggio e sistemi produttivi. Attraverso video, installazioni, incontri e progetti partecipativi, indaga il modo in cui le persone abitano un territorio e ne trasformano le risorse. La sua pratica si sviluppa spesso in collaborazione con artigiani, ricercatori, associazioni e abitanti locali.

L’aspetto più significativo della sua ricerca è la capacità di collegare temi globali, come il cambiamento climatico e la gestione dell’acqua, a situazioni concrete. Le opere non offrono risposte semplificate, ma producono occasioni di ascolto e confronto. Questa attenzione al contesto rende il suo lavoro particolarmente adatto a musei, fondazioni e progetti d’arte pubblica.

Invernomuto, duo formato da Simone Trabucchi e Simone Bertuzzi, esplora musica, video, ritualità e cultura popolare. Il loro universo comprende archivi sonori, folklore, spiritualità, club culture e immagini provenienti da contesti digitali. Le opere assumono spesso la forma di ambienti immersivi nei quali suono e video agiscono insieme.

La ricerca del duo è preziosa per comprendere quanto l’arte contemporanea stia superando i confini disciplinari. L’uso di materiali audiovisivi e riferimenti locali produce una riflessione sulla memoria collettiva, sulle contaminazioni culturali e sulla circolazione delle immagini. Le loro installazioni possono essere lette come archivi aperti, in continua trasformazione.

Scene internazionali e prospettive future

Anna Perach, artista di origine ucraina attiva nel Regno Unito, combina scultura, performance e tessili per affrontare temi legati al folklore, alla femminilità e alla trasformazione del corpo. Le sue figure sembrano provenire da rituali antichi o da racconti popolari, ma vengono rielaborate con materiali e forme contemporanee.

Il lavoro di Perach invita a riflettere sul modo in cui identità e tradizioni vengono costruite. Maschere, costumi e oggetti scenici non servono soltanto a creare stupore visivo: diventano strumenti per mettere in discussione ruoli sociali e modelli culturali. La sua ricerca mostra quanto la scultura possa essere performativa e quanto la performance possa lasciare una traccia materiale.

Sara Sadik, artista franco-marocchina, utilizza video, installazioni e realtà virtuale per raccontare adolescenza, desiderio e appartenenza. I suoi protagonisti abitano scenari futuristici ispirati alla fantascienza, ai videogiochi e alla cultura diasporica. Il futuro, nelle sue opere, non è una fuga dalla realtà, ma uno spazio per immaginare possibilità più inclusive.

Seguire questi percorsi significa osservare anche ciò che accade fuori dai grandi centri. Le mostre d’ottobre nel Novarese possono offrire occasioni concrete per avvicinarsi alla produzione contemporanea e confrontare poetiche diverse in un contesto territoriale accessibile. Una visita in galleria, la lettura di un catalogo o l’incontro con un artista aiutano a trasformare la curiosità in conoscenza.

Questi dieci nomi rappresentano direzioni diverse, dalla pittura figurativa alla ricerca digitale, dalla scultura post-industriale alle pratiche partecipative. Il loro interesse risiede nella capacità di interpretare il presente con strumenti personali, mantenendo aperto il dialogo tra opera, pubblico e società.